¿CÓMO SERÁ BARCELONA EN EL 2159?
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Este año se conmemoran los 150 años de la aprobación del Plan Cerdá, diseñado para regular la expansión de la ciudad de Barcelona más allá del área que ocupaba dentro de sus murallas, derribadas en 1854. En el mismo año en que se iniciaría la construcción del Plan Castro en Madrid, 1860, la reina Isabel II colocó la primera piedra del barrio barcelonés que recibiría el nombre del Ensanche, situado en lo que hoy en día es la plaza de Cataluña.

Uno de los proyectos incluidos dentro de lo que se conoce como el Año Cerdá es la creación de una cápsula del tiempo que será cerrada en junio de 2010 y abierta en 2159, coincidiendo con el 300º aniversario de la aprobación del plan.

A través de la página Barcelona 2159 todo el que quiera está invitado a dejar un mensaje para la posteridad explicando como cree que será la ciudad condal dentro de 150 años. Los videos, fotos y postales enviados se introducirán en formato óptico dentro de la cápsula, que también incluirá un dispositivo lector (para asegurarse su visibilidad pese a los avances tecnológicos) y un generador eléctrico solar que asegurará su funcionamiento. Asimismo, contendrá diez de las postales físicas recibidas por correo ordinario y documentación del ingeniro Ildefonso Cerdà que fecha de 1859, conectando así, 300 años de historia. 

Ya se han recibido 1760 aportaciones procedentes principalmente de ciudadanos de toda Cataluña. Existen propuestas muy imaginativas e ingeniosas, al más puro estilo de una película de ciencia ficción: "Las personas no caminarán sino que levitarán gracias a unas finas plantillas de un material semejante al papel de aluminio y aprovechando el campo magnético de la tierra. De este modo, podremos movernos más rápidamente, a unos 10 ó 20 Km/h, reducir el cansancio y todo ello de una manera natural", señala Jaime Razquin. 

Otro medio de transporte que posiblemente será común en el 2159, es como indica Dan Ribes, el teletransporte el cual define como "un medio limpio, fácil y muy rápido".También, habrá según las predicciones de Joaquim Ramos, ascensores directos a la luna o trenes de Alta Velocidad que circularán por el cielo sobre railes invisibles. Los cohetes y los platillos flotantes estarán también, a la orden del día,y estaremos acostumbrados a las viajes interespaciales.Y si nosotros podemos salir con total naturalidad de nuestro propio planeta, son muchos los participantes en esta cápsula del tiempo que piensan que por supuesto, también nosotros recibiremos turistas procedentes del espacio exterior. 

Barcelona conservará sus monumentos artísticos pero su skyline se modificará sustancialmente con arquitectura futurista: rascacielos colosales, construcciones flotantes, formas tubulares o incluso,  edificios que se mueven buscando el sol, como si de girasoles se trataran, para aprovechar la energía solar, como propone Barbara Tavesset. 

Algunos bromean con que aún no se habrá concluido la construcción de la Sagrada Familia pese a 276 años de obras (se inició en 1883) aunque otros, consideran que será un nuevo escenario para albergar conciertos de los grupos de moda en la época.

La comida habrá sido substituida por pastillas de sabores y Monica Tadeo cree que elementos cotidianos como las latas de atún, enchufes o papel higiénico se expondrán en los museos. 

Todavía se desconoce el lugar donde se guardará esta máquina del tiempo. Sólo se dará a conocer el día de su clausura, pero ya se sabe que no se enterrará porque está pensada para que cada año durante el próximo siglo y medio se dé una vuelta a su mecanismo de apertura. Sólo con el último giro, los barceloneses del 2159 podrán saber si las predicciones de la sociedad del año 2010 fueron acertadas.

Una iniciativa singular e interesante en la que aún tienes tiempo de participar: ¿Cómo te imaginas el mundo del futuro? Tus bisnietos lo descubrirán. 
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LAS MENINAS DE... ¿VELÁZQUEZ?
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Son pocos los artistas que a lo largo de la historia, han suscitado en sus propios compañeros la necesidad de revisar su obra, y a modo de homenaje, elaborar versiones de sus trabajos más destacados. Diego Velázquez es uno de estos grandes pintores que ha conseguido este gran privilegio y que por tanto, ha influido profundamente y ha servido de inspiración para, numerosos creadores posteriores. De su célebre cuadro Las Meninas, existen miles de versiones pertenecientes a múltiples movimientos artísticos y que han sido realizadas por artistas procedentes de todos los puntos del planeta. 

El Museo Nacional del Prado exhibirá hasta el 30 de mayo, uno de estos ejemplos: Las meninas de Richard Hamilton (Londres, 1922).  Se trata de un aguafuerte de 1973 perteneciente al movimiento del Pop Art. Su título completo es In Homage to Picasso. Picasso's meninas, es decir, un homenaje al pintor malagueño a través de la reinterpretación que éste hizo de una de las indiscutibles estrellas del Prado.
La obra, de pequeño formato (75 x 57 cm) y propiedad de la Tate Gallery de Londres, reproduce en clave picasiana el famoso cuadro de Velázquez (1599-1660), sustituyendo su autorretrato por la efigie del propio Pablo Picasso (1881-1973), quien, a diferencia del original, no viste el oscuro hábito de caballero de Santiago y luce en el pecho, en lugar de una cruz roja, una hoz y un martillo.
El propio Picasso llegó a pintar hasta cerca de sesenta versiones de Las Meninas. Trabajó en esta serie  desde el 17 de agosto al 30 de diciembre de 1957.Sin embargo, partiendo del original, reinterpretó la obra introduciendo algunos elementos novedosos marcados por su impronta personal: palomas, retratos de su última esposa Jaqueline Roque, introduce luminosidad con un mayor número de ventanales, cambios en la disposición del cuadro optando por un formato horizontal que obliga a extender la imagen y bajar los techos, aumenta la dimensión del retrato de Velázquez para convertirlo en una colosal figura... 
La mayor parte de estos trabajos del artista malagueño, finalmente, fueron donados al Museo Picasso de Barcelona en 1968. No obstante, el Museo madrileño ha recuperado uno de los dibujos que éste realizó en agosto de 1957 para su exhibición junto a la versión Pop Art de Hamilton. En este cuadro concreto de Picasso, no sólo se establece una vinculación con Velázquez, sino que queda la huella de toda una tradición que arranca en el siglo XVII y desemboca en la producción de Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828).
Goya es el otro punto referencial en lo que a mirada sobre Velázquez se refiere. A los 32 años aprovecha la convalecencia de una enfermedad para hacer 16 grabados de las obras de Velázquez, incluyendo el retrato de las infantas, algunos de los cuales se han  se han incluido en la muestra. Pero donde más se nota la influencia de Las meninas, según explican los historiadores del arte,  es en una de sus obras más importantes, La familia de Carlos IV. En ella, Goya se retrata “al estilo de Velázquez en Las Meninas”, toma la misma posición para aparecer en el retrato real. Le influye igualmente, el espacio, la disposición de los personajes... aunque también posea claras diferencias.  


La admiración de Salvador Dalí hacia la figura y la obra de Velázquez es harto conocida. "La costumbre de Velázquez de pintar en el mismo lugar en que tiene lugar la escena, lo que convertía sus cuadros en instantáneas fotográficas, probablemente logró seducir al artista" señala Carme Ruiz de la Fundación Gala-Salvador Dalí. Esta admiración está presente desde muy pronto en Dalí, e incluso se pone de manifiesto en su vida privada. "La casa de Portlligat, por ejemplo, está decorada con una serie de retratos de personajes con bigote, entre ellos el de Velázquez. Dalí solía decir que coleccionaba bigotes, sobre  todo si eran famosos. En una de las paredes de su taller, asimismo, podemos contemplar una reproducción cuadriculada de Las Meninas.", recoge Carme Ruiz en su artículo “¿Qué hay de nuevo? Velázquez.” Salvador Dalí y Velázquez. 

Durante toda su vida, se hará patente la manifiesta influencia del pintor sevillano en Dalí, especialmente en los años 50-60, dentro de su etapa de mística nuclear,  y siempre sin olvidar su estilo único y característico. Nos brindan buen testimonio de ello pinturas tales como Velázquez pintando a la infanta Margarita con las luces y las sombras de su propia gloria (1958), Retrato de Juan de Pareja reparando una cuerda de su mandolina (1960) Velázquez y un personaje (1982), La infanta Margarita María de Velázquez apareciendo en la silueta de los caballeros en el patio de El Escorial (1982) y por su puesto, su propia y particular visión de Las Meninas (1960). 


A partir de todos estos artistas, otros muchos han querido homenajear a Velázquez con interesantes versiones para todos los gustos:  
Joel-Peter Witkin's, Las Meninas




Aguijarro, Las Meninas Mininas
Equipo Crónica:Rafael Solbes, Las Meninas.
Sebastian Dufour, Las meninas






Florencia Cassano, Homenaje a Velázquez. Las Meninas. 
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Hidalgo Serralvo, Las meninas






Incluso, algunos han ido más allá y aprovechando las nuevas tecnologías han imaginado como pudo haber sido el "making off" del conocido cuadro: 89 Seconds at the Alcazar. 
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LA ARENA ES TAMBIÉN ARTE
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En los últimos tiempos, los artistas buscan sorprender cada vez más a su público con originales creaciones que se alejan de los formatos tradicionales. Se apuesta por nuevos formatos, materiales y las técnicas más insospechadas. 

Un claro ejemplo de estas nuevas producciones artísticas que están tan en boga, es el dibujo en arena. Se trata de una técnica en la que se emplea como lienzo una mesa de luz, la pintura se sustituye por arena de playa y los dedos del pintor hacen las veces de pinceles, consiguiendo espectaculares resultados. El mayo inconveniente de esta forma de arte es, sin embargo, su carácter efímero, pero afortunadamente, el mundo audiovisual ha acudido en su rescate para asegurarles su paso a la posteridad. 

César Díaz Melendez es uno de los animadores y expertos del stop motion españoles que ha sabido aprovecharse de esta nueva técnica para hacer auténticas obras de arte.Como explica en su MySpace: 

"Ha trabajado en más de cuarenta series de dibujos animados para TV, en varios largometrajes Como El CID, El sueño de una noche de San Juan, Ganadores del Goya y Famous Fred, de Joanna Quinn, nominada al oscar en1996. 
A partir de 2002 realiza cortometrajes de animación Stop motion con Arena, Plastilina y objetos, haciendose un hueco en el circuito de festivales de todo el mundo.


Mientras, trabaja en otros proyectos como en el Largometraje de Stop motion "O Apostolo" de Artefacto producciones-"El viaje de Said",cortometraje de plastilina ganador del goya 2007, Animación con arena en los creditos de la pelicula Y tu quien eres? de Antonio Mercero, así como en videoclips y spots publicitarios. Junto a esta faceta compagina su trabajo como Músico bajista en el grupo musical "El Combolinga", a la vez que colabora con otros músicos y grupos."

Una muestra de trabajo es el fantástico corto de animación, No corras tanto, que incluye música de su grupo.


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EL CUERPO HUMANO COMO ESCULTURA URBANA
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El coreógrafo austriaco Willi Dorner, acompañado por la fotógrafa Lisa Rastl, ha recorrido medio mundo para inmortalizar esculturas humanas en espacios urbanos. 

Arquitectura, espacio y cuerpo se complementan en Bodies in Urban espaces, un proyecto que reflexiona sobre la funcionalidad, la limitación y las leyes que rigen el movimiento de las estructuras urbanas. 

Su próxima cita tendrá lugar en Salamanca, España, durante los días 11 y 12 de junio, coincidiendo con la clausura de la sexta edición del Festival Internacional  de las Artes de Castilla León. 

Los protagonistas serán veinte personas en buenas condiciones físicas, independientemente de su edad, que resultarán elegidas en una audición que tendrá lugar el próximo sábado, 20 de marzo, en la Casa de las Conchas de 10 a 14 horas.

Los seleccionados actuarán de estatuas vivientes en diferentes rincones de la ciudad confiriendo nuevas significaciones a la monumental capital salamantina. 

El FÀCYL Festival se celebrará del 30 de mayo al 12 de junio con un destacado cartel centrado en la danza, escena y música.


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“RETROSPECCIÓN” DEL ESCULTOR THOMAS SCHÜTTE EN EL REINA SOFÍA
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Thomas Schütte está considerado como uno de los artistas alemanes más importantes de su generación y lo largo de su extensa carrera de treinta años ha transitado por muy distintos espacios creativos. Los mismos que ahora reúne el Museo Reina Sofía en la muestra 'Retrospección', abierta hasta el próximo 17 de mayo.  

En esta exposición en la que colisionan todos los formatos, podremos encontrar el itinerario mutante del trabajo de Schütte a través de 75 piezas. Se trata de hacer un recorrido por sus diferentes momentos artísticos: desde sus primeras obras realizadas a finales de la década de los setenta, cuando todavía era estudiante, hasta sus trabajos más recientes. La exposición se compone de instalaciones, acuarelas y aguafuertes, fotografías, maquetas arquitectónicas, y ejemplares de sus principales grupos escultóricos, como las series de Mujeres y Perros.

Destacan muy especialmente las esculturas que nos muestran desde las figuras clásicas, a los monstruos de cera. De la elegancia de una esculturas cromadas, a la bastardía de maquetas arquitectónicas. 

El artista estudió en la Academia de Arte de Düsseldorf con Fritz Schwegler y Gerard Richter, con el que empezó a trabajar como ayudante. Desde finales de la década de los setenta, Thomas Schütte viene trabajando en series homónimas que examinan momentos de aislamiento, vulnerabilidad y desesperanza humanos, no carentes de ironía.

Se hizo muy conocido más tarde,en los años ochenta,con sus maquetas arquitectónicas: diseños que llevan al extremo la capacidad de simplificación y exageración y que, sin pretenderlo, ofrecen al espectador protección y cobijo mental.

Los expertos describen sus obras con “una apariencia artesanal a la vez que utópica”. Asimismo, toda la obra de Schütte está impregnada de cuestiones sociales y políticas así como de la preocupación por la relevancia y la posición del artista en la sociedad.

Esta muestra que se alberga en el edificio Sabarioni, es la  retrospectiva más completa organizada en España del artista y una de las más importantes que presenta el Museo este año. Imprescindible para los amantes del arte.
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MONET Y LA ABSTRACCIÓN
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El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid acogen hasta finales del mes de mayo la exposición Monet y la Abstracción.

Se trata de un recorrido por la obra de uno de los grandes pintores del impresionismo desde un punto de vista diferente y novedoso: como puente hacia la abstracción de la segunda mitad del siglo XX.

Entre los más de cien cuadros, que se repartirán entre las dos salas de exposiciones, destacan los conocido lienzos de gran formato que representan motivos de su jardín en Giverny, donde pasó los últimos cuarenta años de su vida, así como los etéreos y delicados paisajes de Londres. A través de estas obras, se nos presenta a un Claude Monet tan obsesionado por captar la instantaneidad, que terminó por desdibujar la representación pictórica, esbozando apenas unas líneas de color del paisaje. Iniciaba así el camino hacia la abstracción convirtiéndose en el profeta de la misma y consiguiendo desempeñar un papel fundamental en la historia del arte.

La muestra recoge además la enorme influencia que el pintor francés tuvo sobre jóvenes artistas como Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Sam Francis, Joan Mitchell, Adolph Gottlieb, André Masson, Philip Guston o Gerhard Richter, entre otros. Su obra podrá contemplarse ahora, a lo largo de todo el recorrido de la exposición, en un interesante diálogo con la del maestro impresionista, poniendo de manifiesto sus múltiples conexiones. Esta nueva perspectiva de la obra de Monet, permitirá analizar la importante influencia del artista en el desarrollo de ciertos aspectos de la abstracción de la segunda mitad del siglo XX y, por tanto, su papel fundamental en el desarrollo de la modernidad.

Este nuevo proyecto conjunto del Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, tras el éxito cosechado con la exposición Las Lágrimas de Eros, ha contado también con la colaboración del Musée Marmottan Monet de París, donde se presentará la muestra en el verano de 2010, tras su paso por Madrid, y los préstamos de numerosos museos y colecciones particulares de todo el mundo, principalmente de Europa y Estados Unidos.
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INDIE-POP CONJUGADO CON ARTE DE LA MANO DE HOLD ON YOUR HORSES
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El grupo franco- estadounidense Hold on your horses nos propone en su último y original videoclip un recorrido por la Historia del Arte, o más concretamente, un paseo por los más famosos cuadros de la Pintura mundial. 

Están representados prácticamente todos los grandes maestros desde el renacimiento hasta el siglo XX: Leonardo Da Vinci, Botticcelli, Vermeer, Velázquez, David, Delacroix, Magritte, Mondrian, Munch, Van Gogh, Frida Kahlo, Wharhol, Manet, Klimt,  De este modo, disfrutando de buena música recibimos una auténtica lección de arte que nos permite, asimismo, jugar a identificar las obras de arte junto a sus autores.

 Desde aquí te invito a que disfrutes de la canción 70 Million y a ver cuántos cuadros adivinas. 

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