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MiniMadrid, un parque temático con la villa de Madrid como protagonista, se construirá próximamente en la localidad de Boadilla del Monte. El objetivo es fomentar el comercio y el turismo de dicha población con este parque en el que se exhibirán maquetas de los 180 monumentos y edificios más representativos de la Comunidad de Madrid.
Otras ciudades europeas como Londres o Amsterdam ya cuentan con proyectos similares que han tenido una gran acogida de público. El ayuntamiento de Boadilla espera emular su éxito y calcula que recibirá unas 100000 visitas anuales.
Sin embargo, el proyecto no ha estado exento de polémica: el partido Independiente Alternativa por Boadilla (APB) ha pedido que se paralice la construcción de una réplica del Valle de los Caídos porque considera que “fomenta la división entre los ciudadanos”. Asimismo, cree que la construcción de MiniMadrid supone un gasto ”innecesario y un despilfarro total“.
“MiniMadrid” tendrá una extensión de cuatro hectáreas y se ubicará en las inmediaciones de la estación de Metro de ‘Ferial de Boadilla‘. Su inauguración está prevista para el año 2012.

Fuente: Inma Ambrona en http://livemadrid.es 
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Para el próximo domingo día 10, el Museo Reina Sofía tiene reservada una gran sorpresa para los amantes de la danza y el arte: la actividad Giros, una propuesta de visita a su colección diferente.
De la mano de la bailarina y coreógrafa Patricia Ruz, niños y mayores serán conducidos por las salas del museo estableciendo conexiones entre la danza contemporánea, el espacio del museo y la obra expuesta. De este modo, los participantes se acercarán a los trabajos artísticos de una manera dinámica y al mismo tiempo, descubrirán su entorno y la forma de relacionarse con los demás a través del movimiento.
Para poder disfrutar de esta actividad única, se requiere reserva previa, y puede concebirse como cierre del itinerario o como introducción al mismo. El horario de apertura del Museo Reina Sofía los domingos es solo matutino, de 10 a 14:30 hrs, y las entradas a la colección permanente+exposición cuestan 6 euros pero existen tarifas reducidas y gratuitas (ver más información).
Fuente: Inma Ambrona en http://livemadrid.es
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Hoy ha abierto sus puertas la exposición Made in USA. Arte Americano de la Phillips Collection en la Fundación Mapfre de Madrid que podrá verse hasta principios del próximo año .

Se trata de una exhibición que reúne a los principales artistas norteamericanos representantes del impresionismo, el modernismo, hasta el arte de nuestros días: Homer, Ryder, Whistler, Sloan, Hopper, O’Keeffe, Dove, Tack, Hartley, Davis, Avery, Pollock, Gottlieb, Still, Diebenkorn, Francis, Motherwell o Rothko, y así hasta 62 pintores.

El proyecto ha sido promovido por la Phillips Collection de Washington D.C. que fue el primer museo de arte moderno de Estados Unidos. Para la exposición "Made in USA", ha prestado a la Fundación Mapfre hasta 91 obras con el objetivo de rememorar cien años de arte de EE.UU.
Los interesados podrán contemplar los trabajos de estos grandes pintores estadounidenses de manera gratuita en la sala Recoletos de la Fundación Mapfre (Paseo de Recoletos nº 23) hasta el 16 de enero.

 Fuente: Inma Ambrona en http://livemadrid.es
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Como es tradición, desde hace ya siete años, el próximo mes se celebrará en Madrid la Semana de la Arquitectura. Durante nueve días (del 2 al 10 de octubre) tendremos una oportunidad única de visitar las representaciones arquitectónicas más destacadas de la capital que el resto del año permanecen cerradas al público.

Este año, coincidiendo con su centenario, una de las grandes homenajeadas es la Gran Vía, cuyos edificios más emblemáticos abrirán sus puertas a quienes se apunten a las visitas programadas: entre ellos, la sede de Telefónica, edificio Matesanz, el Oratorio del Caballero de Gracia o el Centro Cultural de los Ejércitos. Además, podrán realizarse tres interesantes recorridos: Mirando al cielo”- centrado en las hermosas esculturas que coronan los edificios de la arteria-; “Broadway-Gran Vía”- itinerario en el que se visitarán los escenarios de teatros, cines y musicales-; y  Arquitectura en la Gran Vía, para conocer la historia de los edificios madrileños.

La Fundación COAM (Colegio de Arquitectos de Madrid) y el patronato de Turismo del Ayuntamiento, organizadores de la Semana de la Arquitectura, han propuesto otras atractivas rutas como la Ciudad Lineal soñada por Arturo Soria, el Madrid Verde y el Art Shopping en la calle Serrano. Habrá muchas más actividades que incluyen conferencias, visitas guiadas a estudios de arquitectura, talleres, mesas redondas, conciertos, exposiciones.

Aquellos que deseen participar en la Semana de la Arquitectura podrán adquirir unos bonos con los que entrar sin esperas a los edificios (previa adquisición en la FCOAM) y deben tener en cuenta que algunos edificios requieren cita previa (Casino de Madrid, Torre Picasso y Torrespaña). 

Fuente: Inma Ambrona en http://livemadrid.es 
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Todos aquellos que no pudieran visitar la exposición de La cápsula del tiempo. Del Absolutismo al Liberalismo en los cimientos de Cervantes, en la sede de la Presidencia de la Comunidad de Madrid, en la Real Casa de Correos, aún tienen una última oportunidad  hasta el 30 de septiembre.

A mediados de diciembre, frente al edificio del Congreso de los Diputados  y bajo el pedestal de la efigie del universal escritor Miguel de Cervantes, la Dirección General de Patrimonio Histórico de la Comunidad de Madrid extrajo un cofre de plomo sellado herméticamente. Durante varios días, se especuló con su contenido hasta que el Museo Arqueólogico Regional de Alacalá de Henares resolvió el misterio.

Según informó la Agencia EFE, “la cápsula del tiempo de Cervantes”albergabacuatro tomos de El Quijote del año 1810, un ejemplar del Estatuto Real para las Cortes del Reino de 1834, ediciones de la Gaceta de Madrid (actual BOE), un Diario de Avisos de Madrid de ese mismo año, un libro calendario manual y guías de forasteros , editado en la Imprenta Real; una biografía del General Mina, guerrillero español que luchó en la guerra de Independencia y fue fusilado en 1817 en México; un manuscrito, algo más deteriorado; un libro sobre la vida de Cervantes y ocho paquetes pequeños, que probablemente sean monedas de ese periodo.

Parece ser que el entierro de este tipo de objetos responde a una práctica común en la época, dado que se conoce que bajo la estatua de Isabel II, ubicada en Opera, se encuentra una caja similar, que no ha sido extraída. Esta otra “cápsula del tiempo” contiene varias monedas, diarios de la época y una copia del acta de la ceremonia de la instauración de la estatua, entre otros objetos.

Aquellos que sientan curiosidad por estos “tesoros” podrán verlos en persona en la Casa Real de Correos hasta el último día de septiembre.

Fuente: Inma Ambrona en http://livemadrid.es/
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La Residencia de Estudiantes cumplió este fin de semana  100 años. Esta mítica institución fue fundada en 1910 por la Junta para Ampliación de Estudios, y se convirtió en el primer centro cultural de España hasta 1936.

Nació con el propósito de complementar la enseñanza universitaria y crear un ambiente intelectual y de convivencia adecuada para los estudiantes, pero pronto superaría con creces su objetivo. La Residencia de Estudiantes se transformó en un verdadero foco de difusión de la modernidad en nuestro país, pues no en vano actuaba como centro de recepción de todas las vanguardias internacionales.

Entre los muros de la Residencia, situada en la madrileña colina de los chopos, se cobijaron muchas de las figuras más destacadas de la cultura y la ciencia española del siglo XX: el cineasta Luis Buñuel, el poeta Federico García Lorca, el científico Severo Ochoa, el pintor Salvador Dalí. Pero al mismo tiempo, tuvo muchos visitantes conocidos como Miguel de Unamuno, Manuel de Falla, Juan Ramón Jiménez, José Ortega y Gasset, Pedro Salinas, Blas Cabrera, Eugenio d’Ors o Rafael Alberti, entre otros tantos.

En la actualidad, la Residencia de Estudiantes sigue siendo un espacio abierto al debate, y continúa su apoyo a la creación cultural y la investigación científica.Periódicamente, organiza conferencias, mesas redondas, conciertos, lectura de poemas, exposiciones, etc. en los que intervienen muchos de los actuales protagonistas de las artes y las ciencias: Mario Vargas Llosa, Jacques Derrida, Blanca Varela,  Massimo Cacciari…


Fuente: Inma Ambrona en http://livemadrid.es
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Todos aquellos afortunados ricachones a los cuales la crisis financiera no les afecta, están de enhorabuena porque por el módico precio de salida de 25 millones de euros podrán adquirir uno de los edificios más espectaculares del ensanche de Barcelona. 

Ubicada en la Avenida Diagonal 416, la casa Terrades,- más conocida como La Casa de les Punxes, por las seis torres del edificio coronadas por conos rematados con agujas-, es una obra de arte de la arquitectura modernista que fue construida en 1905 por uno de los arquitectos más destacados de dicho movimiento artístico, Josep Puig i Cadafalch. 


Fruto de sus amplios conocimientos como historiador del arte que era, e influido por las características artísticas del periodo, el edificio muestra  elementos góticos, como las torres, pero asimismo, otros procedentes de la arquitectura de los Países Bajos, como la disposición de los cuerpos del edificio, recordando las casas de Amsterdam, al igual que los frontones triangulares que los  coronan. La fachada está construida en ladrillo visto, aunque también se utiliza la piedra en la construcción de las tribunas, en los remates y en las puertas.Los grandes plafones que coronan el edificio representan un reloj de sol, una imagen de San Jorge con la inscripción en catalán "Santo Patrón de Cataluña devolvednos la libertad" y  otros motivos religiosos o patrióticos.


El "castillo" fue declarado monumento de interés histórico-artístico en 1975, y siguiendo las indicaciones del proyecto inicial de Cadafalch se llevó a cabo una rehabilitación total terminada en 2003. A cargo de ella estuvo la Inmobiliaria Colonial, dueña del edificio desde 1991 que actualmente lo ha puesto en venta   porque ha decidido apostar por nuevos proyectos en barrios emergentes de Madrid, Barcelona y París. Según informa el periódico económico Expansión varios inversores locales ya han realizado ofertas para hacerse con el histórico edificio.
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Benjamin Lacombe es un joven ilustrador parisino cuyo trabajo se centra principalmente en la literatura infantil y juvenil.Sus cuidadas y originales ilustraciones, que recuerdan a los dibujos de los cuentos de antaño, han conseguido encandilar a numerosos admiradores adultos que afirman "autoregalarse sus cuentos esencialmente por la belleza de sus imágenes". 

En España, lo hemos podido disfrutar en los albums ilustrados Genealogía de una bruja, Los amantes mariposa y en las portadas de las breves novelas La mecánica del corazón y su secuela La alargada sombra del amor. Sin embargo en su país es un dibujante de considerable éxito creciente que realiza frecuentemente exposiciones por todo el mundo, incluyendo a París, Nueva York, Roma y Tokio. Además, ha ilustrado una veintena de libros (Les Contes Macabres de Edgar Allan Poe; Le carnet Rouge; Beau voyage; L'enfant Silence;La funeste nuit d'Ernest...) y ha trabajado también realizando posters y diseños para alguna revista.


Comenzó su andadura en la publicidad y como animador de cine, mientras estudiaba en la ENSAD. A los 19 años completó su primera serie de comic, además de realizar otra serie de ilustraciones para libros.



En el año 2006, su libro Cherry and Olive , ilustrado y escrito por él, se convirtió en su primer libro para niños y fue publicado por ediciones Les du Seuil, llegando, al año siguiente, a ser uno de los libros de ilustración infantil que entró a formar parte del top ten de la prestigiosa revista Time.

Los últimos trabajos que ha realizado son una novedosa y característica versión de los cuentos de Blanca Nieves y Alicia en el País de las maravillas, y el original La Bergère de Versailles, todos ellos marcados por su peculiar impronta.

Más información:


http://benjaminlacombe.hautetfort.com/
http://www.myspace.com/benjaminlacombe
(E
E.UU.) y por supuesto Le Seuil Jeunesse, la casa editorial que ha emitió la mayoría de su obra.
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Hace ya dos meses que falleció el premio Nobel José Saramago a los 87 años tras su larga enfermedad de leucemia crónica. 

Aunque nació en Portugal, él consideraba la isla de Lanzarote "sua casa". Este lugar fue su refugio cuando se desató la polémica en su país natal por la publicación de la novela El evangelio según Jesucristo. Amaba tanto su nuevo hogar que se implicó activamente en iniciativas locales como la de la Fundación César Manrique así como vivió con especial cercanía el drama de la inmigración clandestina. Allí encontraría la inspiración para sus últimas novelas y en  el pueblo de Tías, donde había fijado su residencia temporal desde 1995 cesaría su existencia.

Aunque Saramago alcanzó el éxito principalmente gracias a una treintena de novelas - Ensayo sobre la ceguera, La balsa de piedra, La caverna, Las intermitencias de la muerte o El viaje del elefante, entre otras tantas.- también nos dejó bellas y sencillas historias para niños como La flor más grande del mundo o El cuento de la Isla desconocida. Sin embargo, en su obra no destaca demasiado este género porque como él mismo explicó, "las historias para niños deben escribirse con palabras muy sencillas, porque los niños, al ser pequeños, saben muy pocas palabras y no las quieren muy complicadas." Y el escritor se disculpó aclarando que le gustaría saber escribir esas historias, pero nunca ha sido capaz de aprender, y eso le daba mucha pena. "Porque, además de saber elegir las palabras, es necesario tener habilidad para contar de una manera muy clara y muy explicada, y una paciencia muy grande. A mí me falta por lo menos la paciencia, por lo que pido perdón".

De La flor más grande del Mundo se rodó un cortometraje de animación dirigido por Juan Pablo Etcheverry, con música de Emilio Aragón y narrado por el propio Saramago, que fue nominado a los Goya en 2008. Se trata de una breve película colmada de símbolos y enigmas, destinado a una infancia que crece en un mundo quebrado por el individualismo, la desesperanza y la falta de ideales.



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Sin previo aviso y de forma “semioculta”, -para poder acceder a la información hay que pasar anteriormente hasta por cuatro páginas de su web- la Universidad Complutense de Madrid anuncia que todos aquellos que solicitaron en julio la preinscripción en cuatro de los grados ofertados (grado en Conservación y Restauración del Patrimonio Cultural, grado en Diseño, grado en Gestión empresarial y Tecnología informática y grado en ingeniería geológica.) no podrán cursar en 2010/ 2011 los estudios deseados.

La Comunidad Autónoma de Madrid ha rechazado la implantación de los grados de la Facultad de Bellas Artes, mientras que ni la Agencia Nacional de Evaluación de la Calidad y Acreditación (ANECA), ni la Comunidad han autorizado los grados de geológicas, y los novedosos estudios de Gestión empresarial y Tecnología informática, por no cumplir los requisitos exigidos.

Ningún responsable de la universidad comunicó directamente la noticia a los estudiantes afectados que hubieron de enterarse por sus propios medios. La solución que les ofrece la Secretaría de Alumnos de la UCM es “haberse inscrito en más opciones de las que se ofrecían”, o bien en el plazo de reclamación -que tendrá lugar el 21, 22 y 23 de julio- “inscribirse en otro de los grados”, sin tener en cuenta su vocación profesional. 

Así funciona la “prestigiosa” Universidad Complutense, y así incentiva el estudio de los jóvenes estudiantes españoles.
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La Maison en Petits Cubes es un extraordinario corto de animación dirigido por Kunio Kato que entre sus diversos premios destaca por haber logrado el Oscar a mejor corto de animación con este trabajo en 2009. 

En esta breve película y a través de la vida de un solitario anciano octogenario que se aferra a sus raíces, se realiza una sutil crítica a las consecuencias catastróficas del calentamiento global en un futuro no tan lejano como parece

El protagonista es un luchador nato y resignado que vive entre cuatro  paredes levantadas por él mismo y cimentados sobre sus moradas anteriores que poco a poco han sido sepultadas por el creciente nivel del mar. Con cada metro de profundidad oceánica se hunden también los recuerdos de aquel tiempo pasado que fue mejor. De ellos, ya únicamente queda la memoria inmortalizada en instantes fotográficos, todos ellos colocados en la pared: abuelos, padres, hijos, nietos; generaciones que saturan sus pensamientos todo el tiempo. 

Sin embargo, una circunstancia inesperada le obliga a sumergirse en las profundidades, geográficas y sentimentales, sirviéndose de este  modo para mostrar al espectador de una manera conmovedora el recorrido vital del anciano y su lucha contra las fuerzas de la naturaleza.

Colmada de flashbacks esta historia en la que los diálogos se hacen innecesarios, emociona, atrapa y realmente no tiene desperdicio. 


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En 1945, Salvador Dalí realizó un acuerdo con la compañía Disney para llevar a cabo un proyecto conjunto en forma de corto de animación. El fruto de esta prometedora colaboración sería Destino, empleando el título homónimo de su banda sonora, compuesta por el mexicano Armando Domínguez. Sin embargo, con el storyboard y la historia ya escritos, y las pinceladas del pintor surrealista preparadas, la película no pudo realizarse por los graves problemas económicos que atravesaba tras la Segunda Guerra Mundial la empresa de Walt Disney. 

Sería más de medio siglo después, en 1999, cuando el sobrino del magnate de la animación, Roy Edward Disney, decidiera recuperar el original trabajo. Los estudios de Disney en Francia junto al director Dominique Monfrey  fueron los encargados de descifrar el críptico guión gráfico de Dalí y del artista del estudio Disney, John Hench, guiados por este último y con la ayuda del diario de Gala, la mujer y musa del pintor español. 

El resultado final, terminado en 2003, es un corto de algo más de seis minutos de duración en el que se nos cuenta la historia de amor entre Chronos y una bailarina mortal, todo ello ambientado en un escenario al más puro estilo dalisiano. Todas las características propias de su obra y del movimiento artístico que representa (el simbolismo, el principio de discordancia, lo onírico, etcétera.) se nos muestra desde una nueva perspectiva: la audiovisual. En definitiva, una auténtica obra de arte en la que el paraíso surrealista del genial artista cobra vida para deleitar a sus más fervientes admiradores. 

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El último trabajo del afamado escultor británico Antony Gormley ha provocado un gran revuelo entre la población neoyorquina, hasta el punto de que la policía de la ciudad norteamericana tuvo que atender a un centenar de llamadas de ciudadanos. Estos se mostraban seriamente preocupados porque creían haber visto personas en las azoteas de los edificios dispuestas a saltar al vacío. Afortunadamente, no se trataba de un suicidio colectivo sino de 31 esculturas humanas de tamaño natural realizadas por Antony Gormley. 

Precisamente, este genial artista inglés centra su obra en en el cuerpo humano como sujeto, objeto y lugar. Al tomar el cuerpo como punto de partida, sus esculturas exploran los modos en los que nos orientamos espacialmente: cómo reaccionamos cuando nos desorientamos, cómo nos relacionamos con la arquitectura y con el entorno construido.

En esta ocasión, las figuras -fabricadas en hierro y fibra de vidrio- se instalaron en calles, aceras y  tejados de los edificios que rodean Madison Square Park como parte de una exposición al aire libre titulada Event Horizon, que comenzó el pasado 26 de marzo, y que ya se había podido ver en Londres. A pesar de que las autoridades avisaron previamente sobre la exposición a los residentes de la zona, no pudieron evitar la alarma social, especialmente porque el emplazamiento de la exhibición coincide con el lugar en el cual recientemente se había producido el suicidio de un estudiante de la Universidad de Yale. 

Si tienes ocasión de visitar próximamente la ciudad de Nueva York, no olvides mirar al cielo: el arte invade también los tejados. 
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Este año se conmemoran los 150 años de la aprobación del Plan Cerdá, diseñado para regular la expansión de la ciudad de Barcelona más allá del área que ocupaba dentro de sus murallas, derribadas en 1854. En el mismo año en que se iniciaría la construcción del Plan Castro en Madrid, 1860, la reina Isabel II colocó la primera piedra del barrio barcelonés que recibiría el nombre del Ensanche, situado en lo que hoy en día es la plaza de Cataluña.

Uno de los proyectos incluidos dentro de lo que se conoce como el Año Cerdá es la creación de una cápsula del tiempo que será cerrada en junio de 2010 y abierta en 2159, coincidiendo con el 300º aniversario de la aprobación del plan.

A través de la página Barcelona 2159 todo el que quiera está invitado a dejar un mensaje para la posteridad explicando como cree que será la ciudad condal dentro de 150 años. Los videos, fotos y postales enviados se introducirán en formato óptico dentro de la cápsula, que también incluirá un dispositivo lector (para asegurarse su visibilidad pese a los avances tecnológicos) y un generador eléctrico solar que asegurará su funcionamiento. Asimismo, contendrá diez de las postales físicas recibidas por correo ordinario y documentación del ingeniro Ildefonso Cerdà que fecha de 1859, conectando así, 300 años de historia. 

Ya se han recibido 1760 aportaciones procedentes principalmente de ciudadanos de toda Cataluña. Existen propuestas muy imaginativas e ingeniosas, al más puro estilo de una película de ciencia ficción: "Las personas no caminarán sino que levitarán gracias a unas finas plantillas de un material semejante al papel de aluminio y aprovechando el campo magnético de la tierra. De este modo, podremos movernos más rápidamente, a unos 10 ó 20 Km/h, reducir el cansancio y todo ello de una manera natural", señala Jaime Razquin. 

Otro medio de transporte que posiblemente será común en el 2159, es como indica Dan Ribes, el teletransporte el cual define como "un medio limpio, fácil y muy rápido".También, habrá según las predicciones de Joaquim Ramos, ascensores directos a la luna o trenes de Alta Velocidad que circularán por el cielo sobre railes invisibles. Los cohetes y los platillos flotantes estarán también, a la orden del día,y estaremos acostumbrados a las viajes interespaciales.Y si nosotros podemos salir con total naturalidad de nuestro propio planeta, son muchos los participantes en esta cápsula del tiempo que piensan que por supuesto, también nosotros recibiremos turistas procedentes del espacio exterior. 

Barcelona conservará sus monumentos artísticos pero su skyline se modificará sustancialmente con arquitectura futurista: rascacielos colosales, construcciones flotantes, formas tubulares o incluso,  edificios que se mueven buscando el sol, como si de girasoles se trataran, para aprovechar la energía solar, como propone Barbara Tavesset. 

Algunos bromean con que aún no se habrá concluido la construcción de la Sagrada Familia pese a 276 años de obras (se inició en 1883) aunque otros, consideran que será un nuevo escenario para albergar conciertos de los grupos de moda en la época.

La comida habrá sido substituida por pastillas de sabores y Monica Tadeo cree que elementos cotidianos como las latas de atún, enchufes o papel higiénico se expondrán en los museos. 

Todavía se desconoce el lugar donde se guardará esta máquina del tiempo. Sólo se dará a conocer el día de su clausura, pero ya se sabe que no se enterrará porque está pensada para que cada año durante el próximo siglo y medio se dé una vuelta a su mecanismo de apertura. Sólo con el último giro, los barceloneses del 2159 podrán saber si las predicciones de la sociedad del año 2010 fueron acertadas.

Una iniciativa singular e interesante en la que aún tienes tiempo de participar: ¿Cómo te imaginas el mundo del futuro? Tus bisnietos lo descubrirán. 
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Son pocos los artistas que a lo largo de la historia, han suscitado en sus propios compañeros la necesidad de revisar su obra, y a modo de homenaje, elaborar versiones de sus trabajos más destacados. Diego Velázquez es uno de estos grandes pintores que ha conseguido este gran privilegio y que por tanto, ha influido profundamente y ha servido de inspiración para, numerosos creadores posteriores. De su célebre cuadro Las Meninas, existen miles de versiones pertenecientes a múltiples movimientos artísticos y que han sido realizadas por artistas procedentes de todos los puntos del planeta. 

El Museo Nacional del Prado exhibirá hasta el 30 de mayo, uno de estos ejemplos: Las meninas de Richard Hamilton (Londres, 1922).  Se trata de un aguafuerte de 1973 perteneciente al movimiento del Pop Art. Su título completo es In Homage to Picasso. Picasso's meninas, es decir, un homenaje al pintor malagueño a través de la reinterpretación que éste hizo de una de las indiscutibles estrellas del Prado.
La obra, de pequeño formato (75 x 57 cm) y propiedad de la Tate Gallery de Londres, reproduce en clave picasiana el famoso cuadro de Velázquez (1599-1660), sustituyendo su autorretrato por la efigie del propio Pablo Picasso (1881-1973), quien, a diferencia del original, no viste el oscuro hábito de caballero de Santiago y luce en el pecho, en lugar de una cruz roja, una hoz y un martillo.
El propio Picasso llegó a pintar hasta cerca de sesenta versiones de Las Meninas. Trabajó en esta serie  desde el 17 de agosto al 30 de diciembre de 1957.Sin embargo, partiendo del original, reinterpretó la obra introduciendo algunos elementos novedosos marcados por su impronta personal: palomas, retratos de su última esposa Jaqueline Roque, introduce luminosidad con un mayor número de ventanales, cambios en la disposición del cuadro optando por un formato horizontal que obliga a extender la imagen y bajar los techos, aumenta la dimensión del retrato de Velázquez para convertirlo en una colosal figura... 
La mayor parte de estos trabajos del artista malagueño, finalmente, fueron donados al Museo Picasso de Barcelona en 1968. No obstante, el Museo madrileño ha recuperado uno de los dibujos que éste realizó en agosto de 1957 para su exhibición junto a la versión Pop Art de Hamilton. En este cuadro concreto de Picasso, no sólo se establece una vinculación con Velázquez, sino que queda la huella de toda una tradición que arranca en el siglo XVII y desemboca en la producción de Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828).
Goya es el otro punto referencial en lo que a mirada sobre Velázquez se refiere. A los 32 años aprovecha la convalecencia de una enfermedad para hacer 16 grabados de las obras de Velázquez, incluyendo el retrato de las infantas, algunos de los cuales se han  se han incluido en la muestra. Pero donde más se nota la influencia de Las meninas, según explican los historiadores del arte,  es en una de sus obras más importantes, La familia de Carlos IV. En ella, Goya se retrata “al estilo de Velázquez en Las Meninas”, toma la misma posición para aparecer en el retrato real. Le influye igualmente, el espacio, la disposición de los personajes... aunque también posea claras diferencias.  


La admiración de Salvador Dalí hacia la figura y la obra de Velázquez es harto conocida. "La costumbre de Velázquez de pintar en el mismo lugar en que tiene lugar la escena, lo que convertía sus cuadros en instantáneas fotográficas, probablemente logró seducir al artista" señala Carme Ruiz de la Fundación Gala-Salvador Dalí. Esta admiración está presente desde muy pronto en Dalí, e incluso se pone de manifiesto en su vida privada. "La casa de Portlligat, por ejemplo, está decorada con una serie de retratos de personajes con bigote, entre ellos el de Velázquez. Dalí solía decir que coleccionaba bigotes, sobre  todo si eran famosos. En una de las paredes de su taller, asimismo, podemos contemplar una reproducción cuadriculada de Las Meninas.", recoge Carme Ruiz en su artículo “¿Qué hay de nuevo? Velázquez.” Salvador Dalí y Velázquez

Durante toda su vida, se hará patente la manifiesta influencia del pintor sevillano en Dalí, especialmente en los años 50-60, dentro de su etapa de mística nuclear,  y siempre sin olvidar su estilo único y característico. Nos brindan buen testimonio de ello pinturas tales como Velázquez pintando a la infanta Margarita con las luces y las sombras de su propia gloria (1958), Retrato de Juan de Pareja reparando una cuerda de su mandolina (1960) Velázquez y un personaje (1982), La infanta Margarita María de Velázquez apareciendo en la silueta de los caballeros en el patio de El Escorial (1982) y por su puesto, su propia y particular visión de Las Meninas (1960). 


A partir de todos estos artistas, otros muchos han querido homenajear a Velázquez con interesantes versiones para todos los gustos:  
Joel-Peter Witkin's, Las Meninas




Aguijarro, Las Meninas Mininas
Equipo Crónica:Rafael Solbes, Las Meninas.
Sebastian Dufour, Las meninas






Florencia Cassano, Homenaje a Velázquez. Las Meninas. 
Hidalgo Serralvo, Las meninas






Incluso, algunos han ido más allá y aprovechando las nuevas tecnologías han imaginado como pudo haber sido el "making off" del conocido cuadro: 89 Seconds at the Alcazar.